学习国画出身，版画系毕业，而第一幅油画作品便获全国性大奖的陈文骥，绘画风格也和他的绘画经历一样多次变化。同时，“画的是什么？”“越来越看不懂”的声音也一直伴随艺术家的每次变化而产生，陈文骥的创作一直生活在自己的世界中。
本周日，他的新个展“什么”将在京开幕，参展作品更加抽象和极端，挑战着观众对作品的观看习惯。但在陈文骥看来，应该摆脱传统观看习惯中对作品的解读和阅读，还给观众一场视觉的游戏。
新作是一场视觉体验
商报：您的新个展将于本周日开幕，这次展览设置了一个开放性的主题“什么”，您如何看待展览主题与作品之间的关系？
陈文骥：我认为，每个参观展览的人都可以从各个角度理解主题“什么”。其实，我的作品被问得最多的也是“你画的是什么？”很多人认为在一幅作品背后，体现着艺术家的很多创作意图，或者有艺术家的某些隐喻在其中，因此观众在观看作品时心中会产生很多疑问。对于观众所产生的疑问，我也很疑惑，因为我的作品中没有赋予多大的意义。对于事物的认识，我尽可能脱离其本身的意义，用最终的形象让观众去感受。
因此，在本次展览中，我用“什么”作为主题表达立场，也是想引导观众理解、体会我的作品。同时，我认为“什么”只是不断思考的理由，并不是在作品中要体现出结果，“什么”只是启动思考的钥匙，通过它可以提供持续思考的动力，这是一种体现状态的过程。
商报：本次参展的作品都体现出“极简”风格，您力求在平面绘画中表现空间感，但这些作品可能使您在绘画方向上走向另一个极端。
陈文骥：是的，今年的表达方式与去年相比加强了一些。同时，对“形”的极端、对平面理解的极端也比以前更加突出。今年的作品在形态表现上更加追求单纯，改变了表达状态，其中运用了更多色彩，表达上体现出柔和感，形态上更加单纯和抽象。
商报：今年的作品更加突出了作品边缘的空间感，这是否是您新的创作方向？
陈文骥：这种边缘的空间感，需要在某一空间内得到反馈，我也在预想这些作品在空间中将得到怎样的结果。我希望在我面前的一切都是不确定的，其结果可能会给我带来兴奋感，同时也能够启发下一步的创作。
摆脱绘画的解读方式
商报：从上世纪80年代到现在，您的作品经历了很多次变化，画面越来越体现出“极简”的风格，您如何解读这种创作方式的变化？
陈文骥：在创作的整个过程中我在改变，同时对于视觉艺术与绘画的理解上，也与公众理解上的绘画渐行渐远。公众希望作品是可以解读和阅读的，但我始终强调绘画可以摆脱解读和阅读，直接用眼睛去体验，这是可以做到的。目前，我已经进入这样的意识状态中，我提供了一种视觉体验新的可能性。
商报：1987年，您的第一幅油画作品《蓝色的天空，灰色的环境》便获得“首届中国油画展”优秀奖，其中也有写实元素在里面。但是，此后的每一次创作变化都是颠覆性的，尤其在2000年以后，很多人在看到作品时都说越来越不像您的作品了。产生这种转变的原因是什么？
陈文骥：我没太多思考过转变的过程。以前可能对自己有很多不满意，感觉当时的创作不是我真正追求的。有时，艺术家思考的方式可能会走向极端，并且容易在某一领域内来看待自我。但这个过程有一种乐趣在里面，可以换个角度看待世界，这是一种收获。
实际上，当初创作写实作品也是在一种影响下产生的，而现在的转变可能是在某种视觉语言影响下产生的立场转变。写实绘画是一种经历，也是艺术表达的积累过程，在积累到一定程度后，创作便可能产生突变。
创作应符合自身性格
商报：您提供了一种视觉艺术过程性的体验方式，但是对于很多人来说，从一幅绘画作品得到一种结果是很重要的，经常会忽略过程的体验。
陈文骥：我在艺术工作中找到了新的体会，并将这样的体会付诸于作品中。但是，一幅作品可能在一段时间内不会得到社会的合理反馈。因此，我认为不能用现实的态度来理解艺术家的行为，不可能艺术家的每件作品都能获得合理的反馈，甚至认为艺术家在一个阶段做的都是一些无谓的表达。但最终，如果社会在某种程度上理解艺术家了，这也是一种进步，有些艺术家创作的作品可能会偏离大众的理解方式，但艺术家的付出在某一阶段能够得到公众的认可和关注，这就是艺术家作品的价值所在。
商报：谈到公众的关注，您的创作一直以来与社会和商业没产生太大关联，一直在根据自己的内心感受进行创作。
陈文骥：每个人对社会都会有思考，我也不例外。但是，最后我会对自己的绘画方式做出合理的选择，是否适合我去做，并愿不愿意做。与社会和商业未产生太大关联性，可能源于我的性格甚至经历而产生的排斥感。但我不能勉强自己，选择符合自己意识的创作题材是我能够承受的，我希望自己所做的一切是符合自身需要的。商报记者 刘洋
